¿Cómo realizar un audiovisual animado?

En esta oportunidad quisiera compartir con ustedes una joya documental, que sería casi imposible disfrutar sin la ayuda de Youtube.

Si bien es cierto, la tecnología ha facilitado los procesos en diseño gráfico y también en la elaboración de propuestas animadas, la creación de dibujos animados tradicionales (2D) sigue conservando varios procesos que son inevitables.

Desde que Walt Disney se dio a la tarea de realizar "Blanca Nieves y los siete enanos" en el año 1937 hasta la fecha, el proceso de realizar una pieza animada inicia con la creación de una historia. Un equipo se encarga de esta parte vital del proyecto. Por supuesto sabemos que sin una idea, un concepto o una historia no podemos crear una animación, un audiovisual o cualquier proyecto creativo. Sin esta etapa solo lograremos una pieza vistosa, pero vacía en contenido y por lo tanto su impacto será efímero e intrascendente.

Una vez concretada la historia, un equipo crea los personajes que participaran en la historia y otro posteriormente de animar los movimientos de dichos dibujos. Para las expresiones faciales de los personajes el animador se ayuda con el uso de un espejo, el cual le permite visualizar sus propios gestos y así traducir al papel los mensajes no verbales que desea comunicar de forma correcta.

Al elaborar el primer borrador de cada secuencia animada se realiza una pre visualización. Antiguamente el trabajo era más arduo, ya que para lograr ver estas animaciones se fotografiaba cada una de las láminas creadas por los artistas. En la actualidad, este proceso es más rápido con los pre renders que ofrecen los softwares, pero igual de necesario para saber si estamos yendo por la ruta correcta.

El proceso de entintado de las caricaturas que serían animadas era más extenso, ya que todo se hacía mediante pinceles y pinturas. Actualmente este proceso puede ser más fácil (de acuerdo al acabado final que se quiera tener) gracias a las ventajas que brindan los softwares de diseño.

Una de las cosas que considero mágicas de la animaciones de antaño es el acabado que tenían los fondos o backgrounds, siendo estos prácticamente obras de arte realizadas en acuarela. Si bien es cierto, eso se puede lograr ahora con la ayuda de photoshop, pero a pesar de las cercanía visual que puede tener el trabajo final, el ojo entrenado puede percibir qué está hecho a mano y qué en el ordenador.

Terminada la parte visual, el proyecto pasa a manos del equipo encargado del audio. Aquí se colocan los efectos de sonidos y la banda sonora.

Los procesos de trabajo para realizar una animación es el mismo desde la producción de "Blanca Nieves y los siete enanos", lo que ha cambiado son los equipos. Gracias a los últimos avances de la tecnología y el uso de softwares, el proceso de animación es más rápido, sigue siendo meticuloso y ninguna etapa puede ser tomada a la ligera si se quiere tener un buen producto final.



Columnista:
Daniel Collazos Bermúdez
Director Creativo
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www.behance.net/danielcollazos

Cómo diseñar para dispositivos móviles

Desde niños que apenas saben hablar hasta personas de la tercera edad, los dispositivos móviles tienen audiencia en cualquier parte. No importa la edad, no importa el sexo o la zona geográfica, simplemente tienen que ser fáciles de entender y usar: deben seguir los parámetros de usabilidad y explotar al máximo la experiencia de usuario.

Pero la gran cantidad de tamaños de pantalla, los diferentes tipos de dispositivos y sistemas operativos hacen complicado hacer un buen diseño para dispositivos móviles.

Aunque se ha extendido rápidamente el mantra de ‘mobile-first’, de diseñar y desarrollar primero en móvil, quizás no sea esto lo óptimo tampoco. Los datos nos cuentan que, aunque el móvil va ganando terreno, la mayoría de visitas a negocios se hacen desde el ‘desktop’. Por eso lo esencial es tener una versión web optimizada y a partir de ahí trabajar en una versión accesible desde el móvil.

Pero antes de volvernos locos y agobiarnos empecemos por lo fácil, lo básico.

1. Diseño ‘responsive’ como punto de partida

En muchos casos partimos de que ya tenemos una web y unos contenidos. La opción fácil es convertir ese contenido en ‘responsive’. En este caso el diseño se basa simplemente en ajustar el contenido de la web a los tamaños de ventana más pequeños para una correcta visualización.
Un excelente ejemplo de web ‘responsive’ podría ser la revista digital Smashing Magazine. Aquí tienes algunas imagen para que veas cómo cambia el diseño web:

Debemos tener en cuenta sobre todo los tres tipos base de pantalla ‘responsive’:
- Grandes pantallas, son aquellas dónde nuestra web cabe y sobra incluso espacio para visualizarla.
- Pequeñas o antiguas pantallas, En estos casos, nos referimos a cuándo nuestra web no cabe para el ancho definido y aparece la una barra inferior para terminar de ver el contenido.
- Pantallas móviles, especialmente para smartphones, donde el espacio es tan pequeño y la información es más difícil de leer correctamente en comparación con el diseño global
Si conseguimos que nuestra web se visible en estos tres tamaños base tendremos mucho camino ganado con aquellos usuarios que acceden desde dispositivos móviles.

2. Centrarnos en un diseño que nos ayude a conducir al cliente

En cualquier web vamos a tener unos objetivos que cumplir. Ya sea conseguir firmas, retener al usuario para que lea nuestro contenido, que nos de su contacto, o cualquier otro objetivo de marketing, el diseño siempre juega un papel importante. Por eso si queremos conseguirlos, debemos diseñar teniendo en cuenta estas directrices:
- Captar la atención del usuario: ya sea en web o en móvil lo primero que tienes que hacer es enganchar al usuario llamando su atención. En móviles tienes poco espacio para lograrlo y recuerda que también tendrás que incluir tu mensaje.

- Llamadas a la acción: En una web o aplicación móvil (otra opción para llevar tu web o negocio al móvil) cada pantalla de tu web debe conducir a otra, no debe ser un camino cerrado. Si quieres que el usuario se registre, díselo, como hacen en la página de Evernote.

- Coherencia del mensaje: No tiene ningún sentido que en cada página de tu web des un mensaje distinto. Unifica y simplifica el mensaje que transmite tu diseño. Para conseguirlo tienes que conocer a tu audiencia, sus gustos, su edad, sexo, etc. En móviles esto se vuelve más importante que nunca, con poco espacio la simplicidad magnifica el mensaje. Y éste, cuanto más directo, mejor. No hay nada más incómodo que ponerse a leer 10 líneas de texto en Smartphone para saber qué hacen en ese negocio digital. Sé directo.

- Experiencia del usuario: No consiste en llenar toda tu página de llamadas a la acción, así solo conseguirás asustar a tu posible cliente. Ante todo tiene que primar una buena experiencia de usuario si queremos retener esa visita y convencerles de que se queden. En pantallas pequeñas es todavía más importante que el diseño haga la navegación fluida, ya que el usuario tendrá que interactuar con uno solo dedo. Además, aunque los movimientos que podemos hacer en la pantalla del móvil son bastantes— swipe, tap, scroll, press, pich/spread y drag— en la realidad nos limitamos a dos o tres que son los más comunes. Intenta ajustar la interacción de tu diseño a los más utilizados por los usuarios.

3. Diseñar para apps: Un universo distinto
Crear y diseñar una app a raíz de una web sin que se haya pasado por el ejemplo anterior puede ser ‘risky business’, o lo que es lo mismo: muy poco recomendable. No obstante existen webs que se unieron al ‘responsive’ hace siglos y que su tráfico móvil o su volumen de negocio es tan alto que el siguiente paso es el de las aplicaciones móviles.
Las reglas del juego en diseño de aplicaciones cambia un poco en relación con las páginas web. Hay otras cosas a las que también debemos prestar atención como simplificar los procesos de registro (en caso de que la app lo necesite) o el diseño del icono. Especialmente la tipografía, tanto en forma como tamaño, cobra importancia para conseguir una mejor legibilidad y comprensión.
Un ejemplo de aplicación que apuesta por una buena experiencia de usuario es el juego TwoDots, que incluso cuenta con una versión diseñada para personas daltónicas.

 
En cualquier caso, el desarrollo de una app será una decisión de mercado bien meditada. Por eso siempre tendrá que ir acompañada de una estrategia de negocio completamente distinta a la de una página web. 

Columnista:
Ana Mocholí 
Periodista especializada en nuevas tecnologías y marketing 2.0. 
www.yeeply.com 
www.anamocholi.com

Escribe habitualmente sobre aplicaciones móviles, diseño, marketing digital y también sobre desarrollo. Actualmente es la responsable de Marketing de Yeeply, marketplace de desarrollo de apps y webs, start-up afincada en Valencia (España) pero presente a nivel internacional. También escribe en su web personal.

Un paseo por la fábrica Pantone

Como revisamos anteriormente en el Blog de Pixel Creativo (ver aquí), Pantone es una corporación o empresa norteamericana creadora del Pantone Matching System (PMS), un sistema que permite identificar colores para impresión a través de códigos designados a cada uno de ellos.

En esta oportunidad, a través de un vídeo realizado por el canal periodístico de YouTube Quartz, podremos ingresar a la fábrica de los expertos en color. En este vídeo nos enteramos a través de un Técnico de tinta y la Técnico de estandarización de color de Pantone que las primeras mezclas de color de la pantonera se realizan a mano. También podemos observar la precisión de sus ojos para detectar diversas tonalidades de color, las cuales son imperceptibles para la mayoría de personas en el mundo. Para poder desempeñar su trabajo, estos especialistas pasan anualmente por rigurosos procesos de evaluación visual. ¿Sabías que el día de la prueba de color, los especialistas no pueden consumir cafeína, porque esto puede afectar a los capilares en los ojos?

Sin más preámbulo, te dejamos con el vídeo.

¿Qué es OTL?

Hemos dedicado hasta el momento tres post en los que hemos hablado de estrategias ATL, BTL, TTL y la más singular el FTL, pero las preguntas siguen surgiendo.
Hay una constante consulta sobre dónde encaja el internet dentro de todas estas estrategias y en este post trataremos de resolver las dudas.

Sabemos que una estrategia ATL es la que se refiere a medios masivos, donde el público objetivo es muy grande. El BTL se refiere a medios de comunicación que están más segmentados, es decir públicos objetivos más específicos. ¿El internet y toda la publicidad que en el confluye no tiene un poco de ambos?

Se comenta que Internet tiene aproximadamente 3,085,749,340 de usuarios y en Perú 12,583,953.* Google, Facebook y Youtube entre otros, acaparan la atención de los usuarios día a día. Según www.netcraft.com en su informe de setiembre de 2014, existían 1,022,954,603 sitios registrados en todo el mundo. Por lo tanto podríamos decir que Internet encajaría en el ATL, siendo más barata la inversión que en Televisión, Radio y Prensa, pero veamos un poco más de cerca.

*  Anexo:Países por número de usuarios de Internet

La publicidad que se genera en Facebook o en Google Adwords puede dirigirse a un público objetivo específico y el impacto de cada anuncio generado arroja siempre una estadística que nos permite ver detalles del target al que se dirige una campaña. Por lo tanto podríamos decir que con todos estos detalles de segmentación y por lo económico que es colocar un anuncio en Facebook o Google, internet podría estar dentro de lo que se define como BTL. Sin embargo también tiene características de ATL.

Internet no puede ser encajonado dentro de ATL o BTL, ya que surge por sí mismo con propia personalidad y puede acompañar a una de las estrategias anteriores, como lo hemos visto en distintas publicidades. Así surge el OTL, cuyas siglas significan: On The Line.

El OTL es internet y se refiere a la estrategia de marketing que se desarrolla en un medio masivo con crecimiento exponencial, donde nos podemos dirigir a un público muy amplio, pero que también puede ser finamente segmentado, el feedback es instantáneo y el resultado estadístico es automatizado en segundos.

Muchas estrategias OTL inician identificando a los clientes ideales para la marca a promocionar, luego se crea una comunidad y finalmente se analiza dicha comunidad como un antropólogo o un sociólogo. Todo este proceso debe ir acompañado con la velocidad que requiere el mundo actual.

Es de suma importancia que las marcas que son trabajadas con estrategias OTL, cuenten con un lenguaje visual y audiovisual acorde a las tendencias de comunicación. En cuanto al lenguaje escrito, es importante que la marca a publicitar cuente con un especialista en narrativa y redacción.

Esperamos que este post haya resuelto algunas dudas y los invitamos a leer los siguientes posts relacionados:




- ¿Qué es ATL?
- ¿Qué es BTL?
- ¿Qué es TTL?
- ¿Qué es FTL?

El origen del nombre de grandes marcas

En nuestra vida cotidiana utilizamos palabras diversas para referirnos a determinadas marcas o productos sin saber cuál fue el origen de estos nombres. A continuación les contamos el origen de los nombres de algunas marcas conocidas:


ADIDAS
Nombre creado por su fundador, Adolf Dassler, el cuál tomo el diminutivo por el cual era llamado: ADI y los fusionó con las primeras letras de su apellido DAS.

ADOBE
El nombre de la popular empresa desarrolladora de softwares, surge del arroyo "Adobe", el cual pasaba por detrás de la casa de ese entonces del socio co-fundador de la compañía: John Warnock.

AMAZON
Jeff Bezos quería que el nombre de su compañía empezara con la letra A, para ser el primero en orden alfabético, es así que toma el diccionario y elige la palabra Amazon. Al comparar las expectativas que tenía de su negocio con el río Amazonas, encontró que ambos tenían lo que el buscaba: Un lugar donde se pueda encontrar todo.

CANON
El nombre de esta marca surge de la diosa budista de la misericordia: Kwanon. Sus fundadores decidieron modificarla a Canon para hacer su marca más global.

COCACOLA
Se dice que el nombre de esta bebida gaseosa proviene de las hojas de la coca y las nueces de Kola que son utilizadas como aromatizantes. El fundador de la empresa, John S. Pemberton, decidió cambiar la K por la C en la palabra kola para que el nombre fuera visualmente más atractivo.

LEGO
Este nombre surge de la combinación de la frase en Danés “Leg Godt” y significaría “Juega bien”.

Estas son solo algunas breves muestras de cómo se crearon los nombres de estas grandes marcas.

¿Quieres conocer el concepto detrás de los logotipos de marcas como Amazon, Apple o FedEx? CLICK AQUI

¿Quién es el Director Creativo?

Las agencias de publicidad tienen su propia estructura jerárquica. No todas son iguales. Esto se debe a la dimensión de cada una de ellas, sin embargo hay cargos que siempre están presentes, como por ejemplo: Director General, Director de Arte, Director Creativo, Diseñadores, etc.

En esta oportunidad, hemos querido revisar de qué se encarga el Director Creativo de una Agencia de Publicidad.

El Director Creativo de una agencia de publicidad se encarga de supervisar al equipo creativo durante el desarrollo de una campaña publicitaria. También trabaja con los ejecutivos de cuentas, para corroborar que las necesidades de los clientes se estén cumpliendo dentro del trabajo que se esté desarrollando.

El "Director Creativo" desarrolla todos los aspectos de una campaña publicitaria basado en el plan de marketing del cliente. Una de sus grandes responsabilidades es la conceptualización de ideas, para desarrollarlas luego con su equipo o supervisar que estas se lleven a cabo de forma correcta. Este cargo es de suma importancia, ya que si la campaña es un éxito o un fracaso, dependerá de él.

¿Qué habilidades debe tener un Director Creativo?

- El director Creativo, debe ser capaz de dirigir equipos de creativos

- Debe tener una sólida experiencia en la redacción de textos publicitarios y/o diseño.

- La disposición de trabajar durante largas horas y la facilidad de hacer viajes de trabajo, deben ser parte de su rutina.

- A pesar de estar en el negocio de la producción de conceptos e ideas, no puede dejar de tener conocimientos en softwares como: Photoshop, Illustrator, InDesign, Flash, After Effects, PowerPoint y otros programas relacionados, además de manejar conceptos de fotografía y audiovisuales.

- Obviamente debe tener conocimientos en marketing y publicidad.

- Debe conocer cada parte del proceso de una campaña publicitaria para poder dirigir al equipo que tiene a su cargo y cumplir las expectativas del cliente.




¿Cuál es la rutina de trabajo de un Director Creativo?

Parte de la vida diaria de un Director Creativo es asistir a reuniones con nuevos clientes para conocer sus necesidades o expectativas y con el equipo creativo para asignarles los nuevos proyectos.
Otra de las labores que tiene el Director Creativo es dirigir las reuniones de Brainstorming con el equipo creativo, para la creación de propuestas publicitarias para los clientes de la agencia.


¿Cómo se llega a ser Director Creativo de una Agencia Publicitaria?

El cargo de Director Creativo en una agencia no se alcanza con un título académico, sino que surge a partir de la trayectoria, sin embargo hay alguno tips que nos pueden llevar a serlo:


20 Tips para llegar a ser Director Creativo

- Se un cazador de la innovación.

- Preocuparte por supervisar el trabajo de los demás.

- Se imaginativo, pero sin desviarte de los objetivos del cliente. Ser un gran Director Creativo no tiene que ver con tener las mejores ideas para ganar premio, sino con cumplir con las demandas del cliente de forma efectiva y creativa.

- Procura ser humilde y sincero.

- Se capaz de venderte hasta sí mismo como un producto sin caer pesado.

- No hagas promesas que no se puedan cumplir.

- Olvida el trabajo de horario fijo.

- Da espacio a tus subordinados para pensar.

- Aborda los temas de siempre desde nuevos puntos de vista.

- Prepárate para ser odiado por tomar decisiones difíciles.

- Aprender a escuchar, pensar y hacer propuestas rápidamente.

- Defiende la creatividad.

- Deja constancia de tus propias opiniones.

- Se responsable de tu propio equipo de trabajo.

- Se un jefe duro, pero flexible.

- Comparte tus conocimientos. Esto favorecerá el trabajo creativo.

- Conviértete en una esponja y aprende de todo lo que está a tu alrededor.

- Lee, infórmate y sobre todo investiga.

- Gánate la confianza de tu equipo.

- Cree en tu trabajo, para que los demás crean en él.

El reto del desarrollo editorial

Hace unos días nos pusimos un reto. El desafío consistía en desarrollar diversas fotos para un proyecto editorial en un tiempo límite de 20 minutos por foto, lo cual implicará un trabajo de iluminación y dirección de arte usando un modelo que no fuera profesional. Decidimos hacer dos fotos; una en interiores y otra en exteriores, dándonos un total de 40 minutos.
Para lograr la meta trazada, el equipo de Pixel Creativo tuvo una reunión para el desarrollo de una lluvia de ideas donde se aportaran propuestas visuales, postura del modelo, locaciones y acabado de la fotografía. Debo decir que esta parte del proceso fue muy interesante y satisfactoria, ya que tuvimos muchos puntos coincidentes, pero lo más importante es que aprendimos un poco más de la visión de cada uno y de lo que queríamos lograr. Esta reunión fue enriquecedora.

Una vez terminado el proceso de conceptualización y planificación visual de las fotografías, nos reunimos con el fotógrafo Dario Patroni de GEN FOTO, con la finalidad de explicarle nuestra visión. Dario, gracias a su amplia experiencia, hizo nuevos aportes que enriquecieron la propuesta y mientras hablábamos planificó la estrategia en cuanto a los equipos que utilizaría para la foto, para lograr la estética deseada y tomando en cuenta el limitado tiempo.

Como he escrito líneas antes, el reto consistía en conseguir un acabado fotográfico editorial de calidad en poco tiempo y con un personaje que no fuera modelo profesional. Además de dirigir al equipo en cuanto a la conceptualización de la foto, también era parte de mi labor encontrar a la persona que aparecería en las fotos, así que luego de pensarlo, escogí a Daniel Granda, quien por supuesto cumplía con los requisitos de este proyecto.

Finalmente el día de la sesión fotográfica llegó. Empezamos en las oficinas de Pixel Creativo, donde adaptamos el lugar como un pequeño estudio. Esta primera etapa requería mi dirección creativa, eso involucra como siempre: revisar, consensuar, aportar y conversar sobre las fotos con Dario en un plazo limitado durante la sesión, sin que nuestro personaje se sintiera incómodo o angustiado. Daniel nunca había modelado para otra cosa que no fueran fotografías familiares, así que era parte de nuestro trabajo también dirigirlo y fomentar su comodidad para que sus expresiones fueran naturales y nuestra comunicación en el momento fluyera con confianza. Establecidas las coordinaciones previas, llega un punto donde dirigir se concentra en cuidar los márgenes de tiempo y cuidar la efectividad y funcionalidad de cada miembro en la sesión. Esta etapa requiere de mucha sutileza para que el fotografiado no se reprima por el grupo de personas que colaboramos con la foto, ni con las luces y mucho menos ante la cámara. Es complicado pero muy importante encontrar y permanecer en este balance.


Al finalizar la sesión en el estudio montado, nos dirigimos a la locación en exteriores que ya habíamos contemplado Antonella Morelli y yo. Al ser una sesión relámpago, llegamos al sitio, colocamos las luces y nos encontramos con una nueva complejidad: El tránsito de las personas por la calle de una mañana cualquiera. Antonella y yo estuvimos pendientes en todo momento que el ambiente fuera el propicio para que Daniel se sintiera a gusto y Dario pudiera concentrarse en capturar lo mejor del personaje.

Una vez terminada la sesión, muchos podrían pensar que el trabajo de fotografía ya estaría terminado en este punto, pero nada más lejos de la realidad, lo que tocaba hacer era revelar las fotos y llegar a la estética previamente conversada con el equipo de Pixel Creativo. GEN FOTO nos entregó las fotos y a partir de ese momento la magia estaría en manos de nuestro Director General de Arte, Christian Pretell.

Gracias a sus amplios conocimientos de revelado fotográfico digital que abarcan entre el revelado lomográfico o el HDR (del cual ya hemos hablado antes en el blog de Pixel Creativo), Christian logró varios tipos de fotografías. Tanto las fotos en interiores como las de exteriores tenían puntos clave que resaltar y fortalezas distintas. La iluminación de las fotos en estudio fue mucho más dramática, al estar manipulada con más control, así que la mayor parte de los revelados fueron en alto contraste, resaltando incluso los valores de grises para crear una imagen de portada. Las fotografías en exteriores aportaban mayor naturalidad al personaje, y hasta contaban una historia. La locación escogida era de edificios empresariales que ofrecían una gama de grises cálidos. Christian se valió de coordinar el resto de colores y limpiar la foto de detalles inoportunos en Photoshop. Nuestro proyecto pasaría en ese momento a manos de Antonella Morelli y Brenda Barahona, nuestras especialistas en trabajo editorial.

Antonella y Brenda se encargaron llevar las fotografías a un producto que contemplara una portada y un artículo principal que estuviera acorde a las nuevas tendencias del mercado.
El trabajo editorial es una rama especialmente delicada del diseño, y requiere de un análisis e investigación previa muy profunda. Después de ordenar sus referencias y proyecciones se decidieron por un estilo limpio y minimalista. El trabajo quedó impecable.

El proceso de trabajar este proyecto fue realmente una gran experiencia y quizá ha sido bastante resumida la forma de contarlo, quise compartirlo con nuestros lectores, porque creo que aporta mucho a quienes nos encontramos en la carrera de la gráfica y la publicidad. Hay mucho trabajo previo antes de tomar una fotografía y por supuesto al desarrollar un proyecto editorial y es algo que no nos ponemos a meditar cuando tenemos una revista en nuestras manos. Precisamente esa es la idea, que el lector simplemente disfrute del contenido.

¿Alguna vez habías pensado todo lo que estaba implicado en el desarrollo de una revista?

www.pixel-creativo.com

Columnista:Daniel Collazos Bermúdez
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Teoría básica del color

“Los colores son los amigos de sus vecinos y los amantes de sus opuestos”

-Marc Chagali

Que el color sea un medio para expresar y describir emociones no es secreto. Sin embargo, se necesita ordenar y profundizar estos conocimientos para realmente controlar la información que codificamos mediante el color. Es una habilidad indispensable para cualquier artista gráfico o creativo. Cuando acabamos de trabajar un concepto y nuestra diagramación, los colores elegidos no son accesorios que puedan hacer más o menos interesante un arte final, son los pilares sobre los que se apoyará un diseño, y pueden contribuir a que funcione o destruir la comunicación totalmente.
No suficiente con esta presión, cabe mencionar que el color no es objetivo. Podría decirse que ni siquiera existe. Existe solamente en el ojo del consumidor. Si los ojos funcionan gracias al cerebro, estamos hablando ya de un concepto y no un objeto. En primer lugar, no podemos percibir el color sin que la luz rebote de alguna superficie. Sin importar qué pigmentación tenga una superficie física, dependiendo del brillo y carácter de la luz ambiental podríamos percibirlo de diferentes formas. También sucede mucho que diferentes materiales de la misma pigmentación no son percibidos así porque no reflejan la luz de la misma forma. Ni siquiera aquí acaba, resulta que percibimos los colores de acuerdo a otros colores que los rodeen. Esta característica, por ejemplo,  aprendemos a manejarla durante nuestro entrenamiento y la denominamos “contraste”.
En este amplio pantano de la confusión, diseñadores a través de la historia han determinado un lenguaje preciso para poder comunicarse objetivamente con productores, imprentas y clientes. Esto es lo que constituye la famosa teoría del color.

El círculo cromático
La luz separa siete espectros de color a través de un prisma. Esto fue descubierto en 1665 por Isaac Newton, quien ordenó estos espectros en una rueda o círculo que sirvió desde entonces para percibir claramente la relación de los colores entre sí.

Los colores primarios son los que no se pueden obtener de la mezcla de ningún otro. Esto también significa que cualquier color tiene en su mezcla base por lo menos dos colores primarios. Los colores primarios son el rojo, amarillo y azul en su versión más pura.

Los colores secundarios son el resultado de mezclar partes iguales de dos colores primarios. Siguiendo la misma línea, un color terciario es el resultado de la mezcla a partes iguales de un color primario y un color secundario. Su denominación correcta es nombrar primero el color primario y luego el secundario. Algunos ejemplos son: Amarillo anaranjado, Rojo violeta, Azul violeta, Azul verdoso, etc.

Dos colores opuestos en el círculo cromático se llaman complementarios. Cada color complementario no contiene elementos que están presentes en el otro, y tienen temperaturas opuestas también. El uso de colores complementarios en un diseño puede influir muchísimo en el tono de comunicación, pues crea un contraste radical e imposible de pasar por alto. Para crear combinaciones más sutiles, se podría usar un “opuesto cercano”, que es un color cercano al complementario, como se muestra en el diagrama.
Los colores que están cerca unos de otros se llaman análogos. Cuando se usan juntos crean un contraste mínimo y mucha armonía, porque tienen elementos en común y temperaturas similares.

Características del color

Un matiz es el lugar del color dentro del espectro de color, es decir, el color en su estado puro, sin blanco ni negro agregados. Es el atributo del color más básico pues es el que nos hace reconocer el color rojo del azul. Un matiz rojo puede parecer marrón cuando está poco saturado, y un matiz rojo también puede parecer rosado cuando tiene alta luminosidad.
El valor o luminosidad es un atributo referente a la luz, sobre el carácter de un matiz y si está en un valor claro u oscuro. También llamado tonalidad, brillantez, o brillo, es independiente del matiz o la saturación de un color. Cuando transformamos una imagen a blanco y negro, eliminamos el matiz pero preservamos su relación tonal. 
La variación de luminosidad es controlada por cuánto blanco o negro contiene un color. Si se le agrega más negro, tendrá un valor más bajo. A medida que se le agrega más blanco, se intensifica la claridad del color y se obtiene un valor más alto. Dos matices distintos, como el rojo y el azul, pueden tener valores iguales, porque pueden tener el mismo grado de claridad y oscuridad con relación a la misma cantidad de blanco o negro que contengan en cada caso

La saturación o intensidad es un concepto que representa la pureza de un color, es decir, la vivacidad o palidez del mismo. También llamado “Croma”, puede verse relacionado con la cantidad de luz con la que vemos una superficie. En el círculo cromático, los colores más saturados son los colores puros del espectro. Un color muy intenso es muy vibrante, y aplicado a un objeto da la impresión de que dicho objeto se está moviendo.
Para desaturar un color se le podría agregar blanco, pero de esa forma también variaría su valor. Para lograr una desaturación y preservar el valor del color hay que mezclarlo con gris que contenga igual cantidades de blanco y negro. Mientras más gris contenga un color se vuelve más neutro. Otra forma de hacerlo es mezclarlo con su complementario, ya que eso produce neutralización. Podríamos entonces definir un color neutro como aquel en el cual no se percibe fácilmente su saturación.

El círculo cromático graduado muestra cada matiz progresivamente afectado por valores. Hay que hacer notar que el punto de mayor saturación no es el mismo para todos los matices (por ejemplo, el amarillo más saturado está alejado del centro, donde tiene mayor un valor más alto, pero el azul es más intenso cerca del centro, cuando tiene un valor más bajo.

Fuentes:
Graphic Design. The New Basics.  Ellen Lupton y Jennifer Cole Phillips, 2008.
Teoría del Color: Propiedades de los colores. Luciano Moreno para desarrolloweb.com, 2004


Columnista
Antonella Morelli

¿Qué es Semiótica?

La semiótica es la teoría que explica los signos. La interpretación de los signos es vital para la existencia humana porque está en todas las formas de comunicación, entre ellas la visual. Nos sirve como una herramienta que descifra cómo funciona el pensamiento de las personas para explicar las formas de interpretación de lo que nos rodea.

La semiótica se divide en:

∙ La semántica que es la encargada de estudiar qué relaciones existen entre significantes y significados; es decir el significado de las palabras, de los enunciados y de las oraciones.

∙ La onomasiología, que se encarga de nombrar a los objetos y establecer las diferentes denominaciones para una misma cosa.

∙ La semasiología, al contrario, estudia la relación que existe entre un objeto y su nombre.

∙ La sintaxis, que se encarga de estudiar las relaciones que se establecen entre los diversos significantes.

∙ El pragmatismo es el encargado de estudiar las relaciones entre significantes y usuarios; es decir de qué forma emplean los seres humanos los diferentes signos a la hora de comunicarse.

Charles Peirce fue reconocido como fundador del pragmatismo. El pragmatismo refiere a que el significado de un concepto es global y consiste, no en los resultados de cada persona, sino en un concepto que todos entendamos por igual (por ejemplo: una señal de tránsito que debe ser entendida por todos los que transitemos en una calle). Esta teoría no guarda ningún parecido con la noción común de pragmatismo, que se define como una simple búsqueda del beneficio inmediato. En cambio, el pragmatismo de Peirce es un método de definición de concepto de todo aquello que nos rodea.

La semiótica visual

Es una aplicación de la semiótica general que trata sobre el estudio o interpretación de las imágenes, objetos e incluso gestos y expresiones corporales, para comprender o formar una idea de lo que se está viendo. La contribución de la semiótica visual es la de haber unido lo "no verbal" (por ejemplo, en las artes visuales o plásticas) y la semiótica teórica. Por ejemplo, lo que sentimos y entendemos al momento de ver una pieza gráfica: el sentido de una pieza "X" se elabora a partir de percepciones humanas básicas (por ejemplo: alegría, tristeza, temor, amor, tranquilidad, etc.) que serán organizadas como estímulos en el momento en que la veamos y analicemos (por ejemplo: rojo = amor, alerta; blanco = tranquilidad, limpieza). Por último, los estímulos se irán categorizando en nuestro cerebro para reaccionar y analizar cuando veamos una pieza gráfica similar o algo que nos recuerde a ella.

Hacen parte de la semiótica visual, muchos campos, como por ejemplo:

∙ Lenguaje de señas.
∙ Señales de tránsito.
∙ Obras de arte.
∙ Señales de movimiento y acción (utilizadas en el ejército).
∙ Caricaturas.
∙ Vallas publicitarias.
∙ Imágenes en general.



Columnista:
Brenda Barahona