Una de las últimas tendencias que ha empezado a tomar fuerza son los Cinemagraphs o también conocidos como Cinemagrafías. Esta técnica consiste en combinar la fotografía con la animación, generando una verdadera foto con movimiento infinito. En otras palabras una fotografía animada en bucle/loop. Los Cinemagraphs suelen presentarse en formato de gifs animados.
El artista digital Kevin Burg ya experimentaba con los gifs, pero no fue hasta 2011 que trabajó para el New York Fashion Week junto a la fotógrafa Jamie Beck, cuando empezó a explorar más a fondo está técnica. A ambos se les ocurrió mesclar un gif de vídeo con la fotografía y bautizar a estas imágenes como Cinemagraphs.
Las fotos dinámicas generaron gran interés y curiosidad por parte de la comunidad de la moda como nuevo formato de narración visual.
Últimamente los Cinemagraphs están siendo utilizados por artistas quienes exploran el formato como medio de expresión y por la publicidad, que intenta capturar la atención de los internautas. El formato Gif hace que su reproducción sea fácil de ver en cualquier dispositivo móvil.
En el ámbito publicitario lo podemos encontrar en: Avisos digitales Sitios Web E-mailing Redes Sociales Post de blogs Museos y Galerías y casi en cualquier plataforma que permita la reproducción de vídeo.
¿Qué ventaja tiene el Cinemagraph a comparación de un simple Gif animado? Los Gifs animados fueron creados en la década de los 80 y desde ese entonces muchos de ellos han tenido el inconveniente de la mala calidad de resolución. Esto se debe a que en la mayoría de casos son simples capturas de vídeo a las que se les cambia el formato y para hacerlos ligeros se disminuye su calidad. En cambio en el cinemagraph hay una meditación previa y por lo tanto quien lo desarrolla determina que solo áreas especificas tengan movimiento, reduciendo de esa forma la cantidad de bites sin sacrificar la calidad de la imagen.
¿Has visto cinemagraphs que publiciten algún producto?
A lo largo de más de 10 años, nuestra agencia se ha caracterizado por su pasión por la animación en 2D, desde el ámbito tradicional hasta el motion graphics. Gracias al apoyo de un equipo de ilustradores y animadores, hemos logrado importantes logros en cuanto a esta herramienta publicitaria.
Pixel Creativo ha sido premiado en dos ocasiones. La primera vez, gracias al cortometraje "Los Diablos Azules", fuimos reconocidos por el Centro Fundación Telefónica en el 2do concurso de animación web realizado a nivel nacional en Perú. La segunda vez, traspasamos fronteras, ganando el 2do puesto en el Nontzefilm realizado en Bilbao-España, a través del corto "Cholita" realizado por nuestro Director Creativo, Daniel Collazos Bermúdez.
Además de estos importantes logros, también importantes empresas han confiado en nuestro talento, llevándonos a trabajar en esta rama para clientes como: GMovil, Proyecto CPro de la Comunidad Europea, Robert Bosch Perú, Compañía de Bomberos Santiago Apóstol de Surco, Cubus Arquitectos, PerúVive (Festival realizado por el cantante peruano Gianmarco Zignago), Fundación Creer, entre otros.
Así como nuestro dedicado proceso de trabajo (en los que incluimos los importantes procesos de guion, storyboard y creación de personajes), contamos con especialistas en animación e ilustración listos para afrontar nuevos retos que además de ser visualmente atractivos, cumplen con objetivos comunicacionales efectivos para lograr los propósitos que nuestros clientes necesitan alcanzar.
Sin más, los invitamos a ver el reel de animación de Pixel Creativo.
En la actualidad existen diversos softwares que son utilizados por animadores para realizar productos audiovisuales, como animación en 2 dimensiones, 3 dimensiones y motion graphics, entre otros. El trabajo, antes de la existencia de estos programa era artesanal, por llamarlo de alguna forma.
Lo que revisaremos a continuación, es cómo se realizaban los proyectos de Motion Graphics durante la década de los 70 y 80.
En el documental que compartimos con ustedes, veremos al artista Nick Campbell preguntándose por qué sus motion graphics no tienen el mismo acabado visual que aquellas que veía de niño en televisión o cine.
En la investigación de Campbell, descubrimos que el nacimiento de la estética futurista de los motion graphics de los 70 y 80s, fue posible gracias a que Lee Harrison y asociados crearan una computadora especializada en un ático de Pensilvania durante 1960.
Para poder experimentar cómo se desarrolla un motion graphics futurista, en este documental participa el animador Roy Weinstock, especialista en "Scanimate".
¿Qué es el Scanimate? Scanimate es el nombre del sistema analógico por ordenador, el cuál generaba animaciones en tiempo real reproducidas en un monitor y que eran filmadas para ser incorporadas en la edición de un producto audiovisual.
Es interesante conocer herramientas de las que se valían los animadores antes de que el mundo conociera la tecnología de la que ahora disfrutamos.
En esta oportunidad quisiera compartir con ustedes una joya documental, que sería casi imposible disfrutar sin la ayuda de Youtube.
Si bien es cierto, la tecnología ha facilitado los procesos en diseño gráfico y también en la elaboración de propuestas animadas, la creación de dibujos animados tradicionales (2D) sigue conservando varios procesos que son inevitables.
Desde que Walt Disney se dio a la tarea de realizar "Blanca Nieves y los siete enanos" en el año 1937 hasta la fecha, el proceso de realizar una pieza animada inicia con la creación de una historia. Un equipo se encarga de esta parte vital del proyecto. Por supuesto sabemos que sin una idea, un concepto o una historia no podemos crear una animación, un audiovisual o cualquier proyecto creativo. Sin esta etapa solo lograremos una pieza vistosa, pero vacía en contenido y por lo tanto su impacto será efímero e intrascendente.
Una vez concretada la historia, un equipo crea los personajes que participaran en la historia y otro posteriormente de animar los movimientos de dichos dibujos. Para las expresiones faciales de los personajes el animador se ayuda con el uso de un espejo, el cual le permite visualizar sus propios gestos y así traducir al papel los mensajes no verbales que desea comunicar de forma correcta.
Al elaborar el primer borrador de cada secuencia animada se realiza una pre visualización. Antiguamente el trabajo era más arduo, ya que para lograr ver estas animaciones se fotografiaba cada una de las láminas creadas por los artistas. En la actualidad, este proceso es más rápido con los pre renders que ofrecen los softwares, pero igual de necesario para saber si estamos yendo por la ruta correcta.
El proceso de entintado de las caricaturas que serían animadas era más extenso, ya que todo se hacía mediante pinceles y pinturas. Actualmente este proceso puede ser más fácil (de acuerdo al acabado final que se quiera tener) gracias a las ventajas que brindan los softwares de diseño.
Una de las cosas que considero mágicas de la animaciones de antaño es el acabado que tenían los fondos o backgrounds, siendo estos prácticamente obras de arte realizadas en acuarela. Si bien es cierto, eso se puede lograr ahora con la ayuda de photoshop, pero a pesar de las cercanía visual que puede tener el trabajo final, el ojo entrenado puede percibir qué está hecho a mano y qué en el ordenador.
Terminada la parte visual, el proyecto pasa a manos del equipo encargado del audio. Aquí se colocan los efectos de sonidos y la banda sonora.
Los procesos de trabajo para realizar una animación es el mismo desde la producción de "Blanca Nieves y los siete enanos", lo que ha cambiado son los equipos. Gracias a los últimos avances de la tecnología y el uso de softwares, el proceso de animación es más rápido, sigue siendo meticuloso y ninguna etapa puede ser tomada a la ligera si se quiere tener un buen producto final.
Al pasar de los años el marketing y la publicidad, han utilizado un sinfín de soportes o medios para transmitir sus mensajes al público, predominando gráficas en 2D, movimiento, música y animación, pero con la llegada de la impresión 3D se generan nuevas expectativas, gracias a la experiencia física y táctil que nos ofrece, convirtiéndose en una herramienta tangible. Esto podría modificar la forma en la que el público interactúa con las marcas, cambiando las gráficas llamativas y los slogans pegajosos por interacción real. A continuación les mostramos ejemplos de marcas que ya están utilizando esta tecnología para ofrecer a sus clientes campañas muy originales:
• Coca-Cola realizó una llamativa acción publicitaria en Israel para promocionar su nueva presentación mini. Creando una app en la que los usuarios podían elaborar avatares con sus características físicas, y luego concursar por una mini figura impresa en 3d de ellos mismos.
• DVV una compañía de seguros belga y su agencia Happiness Brussels, desarrollaron una propuesta llamada "Key Save", la cual permite a sus clientes escanear sus llaves y guardarlas en un servidor seguro, de manera que si pierden sus llaves podrán descargar el archivo al celular e imprimir sus llaves las veces que lo necesiten.
• BARNARDOS una asociación de caridad, nos trae una campaña que nos muestra cuán importante es tener un hogar en las fiestas, y así conseguir donaciones para más de 75000 jóvenes en el reino unido que no cuentan con un hogar. Para retribuir con algo significativo a los donantes, crearon con la ayuda de una impresora 3D, versiones miniatura de sus hogares y las colocaron dentro de bolas de cristal navideñas.
Como vemos claramente, las impresoras 3D están abriendo un sinfín de nuevas posibilidades y aplicaciones, que llevarán al marketing y la publicidad a nuevos niveles de impacto.
Para todos los amantes del modelado 3D, llega una alternativa online. Se trata de Sketchfab, un software que nos permite realizar cualquier figura en 3 dimensiones, con la facilidad que nos podría dar un trozo de plastilina.
El software nos permite modelar, pintar, rotar, estirar, etcétera. También podemos exportar nuestro proyecto en .obj, .ply, .stl o compartirlo en la comunidad de Sketchfab, quienes son los promotores del programa.
En beneficio de los diseñadores, el software es compatible con tabletas gráficas.
Si tuviera que hablar de uno de mi héroe en lo que tiene que ver con la creación de dibujos animados hablaría largo y tendido de Chuck Jones. De niño, cuando me sentaba frente al televisor a disfrutar de la tanda de dibujos animados de la mañana, que por lo general eran de la empresa Warner Bros, al ver los créditos, el nombre de Chuck quedó grabado para siempre en mi mente sin saber de quién se trataba y qué hacia este señor puntualmente.
Chuck Jones hasta ese entonces solo fue un nombre para mí. La curiosidad por desarrollar dibujos animados la despertó Walter Lanz, con aquellos pequeños tutoriales televisivos donde explicaba como animar a sus personajes, siempre acompañado por el Pájaro Loco. Creo que para muchas personas de mi generación fue así (Nací en 1980). Gracias a Walter Lanz entendí como con una secuencia de dibujos podría convertirse en el movimiento que veía en la televisión, sin embargo hasta ese entonces me dejé deslumbrar solo por la técnica. Hice varios experimentos por mi cuenta y otros acompañados por uno de mis amigos de infancia, que con ayuda de un proyector casero trataban de emular lo que veíamos en la tele.
Al pasar los años, con la ayuda de una computadora casera y con las clases que llevé con el animador peruano Javier Prado, pude llevar a cabo mi primer proyecto de dibujos animados. En ese entonces utilicé un programa llamado Director de la empresa Macromedia.
La inquietud de hacer mis propios dibujos animados la llevé aún más lejos al descubrir el programa Flash, que ahora es parte de la familia Adobe y fue gracias a este programa que empecé a dar un pasos más maduros en mi vida como animador en 2 dimensiones. Sin embargo aún me faltaba algo.
Gracias a mi enorme curiosidad y a ver dibujos animados en televisión bajo la óptica de un técnico y no un simple espectador, me reencontré con Chuck Jones y es así que decidí investigar más de él.
Chuck Jones (21 de septiembre de 1912 - 22 de febrero de 2002) Fue animador, caricaturista director y productor. La cumbre de su carrera podría decirse que es la realización de los Looney Tunes y los Marrie Melodies de los estudios Warner Brothers.
En 1965 ganó su primer premio Oscar por el cortometraje "The Dot and The Line" y el segundo lo ganó en 1996 por su labor e indudable aporte a la industria cinematográfica, también participo en varias secuencias de la película Gremlin 2.
Cuando descubrí que un animador había ganado 2 premios de la academia, me comencé a preguntar si era solo por dibujar una secuencia, también me pregunté qué significaba ser un director en una cinta animada. Investigar sobre la vida de Chuck Jones, me hizo darme cuenta que para crear este entorno animado, se requería algo más que eso. Había que darles alma a los personajes. Los personajes necesitaban tener rasgos fundamentales de cada ser humano, como formas de caminar, tartamudeos, gestos, manías, mal carácter, e incluso frases que siempre repetían como Whats up Doc?
Chuck Jones no fue simplemente un hombre dibujando secuencias en un papel. Jones buscaba mostrar crítica de como vivía la sociedad que lo rodeaba, reflejar como era la gente que lo rodeaba y en muchas de sus animaciones mostró como la modernidad hacía actuar de formas ridículas a los seres humanos.
En la actualidad es verdad que el mundo de la animación se ha democratizado gracias a que todos tenemos acceso a un ordenador, a softwares y youtube, sin embargo pocos animadores en la actualidad han lograran la inmortalidad por la fuerza del contenido de sus obras. Quizá Jhon Laseter, fundador de Pixar, pueda ser capaz de lograr la trascendencia que maestros como Chuck Jones han logrado al trascender en nuestras mentes con dibujos animado como Bugs Bunny, el Pato Lucas o el Corre Caminos entre otros, los cuales pertenecen a la década de los 30 del siglo XX. Esta misma escencia la comprenden Seth Macfarlane, creador y dibujante de Padre de Familia o Matt Groening, creador y dibujante de los Simpsoms.
Nunca debemos olvidar que los softwares pasan de moda, que el 3D puede dejar de ser una tendencia o que el verdadero valor y recordación de los dibujos animados están en sus tramas y la construcción de los personajes desde el dibujo en lápiz hasta el desarrollo de sus personalidades y las situaciones en las que se ven envueltos, solo estos valores harán de nuestro trabajo algo imperecedero.
Dibujar figura humana es un trabajo minucioso, pero fundamental para todo diseñador. Afortunadamente Wacom nos da la posibilidad de aprender de la mano de un grande: Ariel Olivetti.
Ariel Olivetti es dibujante de comics argentino que ha trabajado para grandes empresas de comics norteamericanas como son Marvel y DC Comics desde 1995. Alguno de los títulos que ha trabajado son: Daredevil y Punisher entre otros.
El blog de Pixel Creativo ha considerado que estas clases son primordiales (Sobre todo dictadas por este gran maestro) si quieres aprender a dibujar figura humana. Esperamos que sea de tu agrado.
